伦敦音乐家通过调教ChatGPT让其帮助制作音乐专辑(伦敦的音乐家 )

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班得瑞的音乐属于什么类型的音乐?

New Age Music 总集贴

New Age Music----新世纪音乐,也有译作新纪元音乐的。是一种在1970年代后期出现的一种音乐形式,原本的用途在于帮助冥思及作心灵的洁浄,但后期的创作者不少已不再抱有这种出发点。有一种说法讲,由于其丰富多彩、富于变换,不同于以前任何一种音乐:它并非单指一个类别,而是一个范畴,一切不同以往,象征时代更替诠释精神内涵的改良音乐都可归于此内,所以被命名为New Age,即新世纪音乐。但其实,正确的原因,在于提倡这种利用音乐心灵洁浄的人,源自一个叫作新纪元运动的异端宗教派别。

60年代末期,德国一些音乐家将电子合成器音响的概念融入原音演奏或即兴表演方式,启迪了许多新进音乐家运用更多元的手法开拓新的领域。该时期的音乐己具备了New Age的发展雏形。到了1973年,在旧金山一群素昧平生的音乐家在某个音乐节上相会,这些人忽然发现虽然他们以前没交流过,可是互相之间的音乐却有很多共通之处。他们的音乐都是从冥思和心灵作为出发点而创作的,这种类型不同于以前的任何一种音乐,他们把这种非流行、非古典、具实验性质的乐风取名为New Age,它指的是一种“划时代、新世纪的音乐”。90年代的今天,New Age音乐呈现出了更多样化的风貌。乐界已形成一股百家争鸣、各拥其妙的新势力。正因如此,New Age不只是一个单纯界定乐风区别的名词,而是象 征着时代的演进、形而上精神内涵改良的世纪新风貌。

在这里还有个小典故,New Age 又指The Aquarian Age (宝瓶座时代),西方神秘学家认为人类正进入宝瓶座时代,象征了人类将从物质的追求过渡到自己内心的探索,虽然在物质方面人类有人种、肤色、语言、宗教信仰等等的不同,但人类的心灵深处都有一个共通点。正因为这一点,所有人都是同宗同源的,平等的。正如Secret Garden的主创罗夫兰(Loveland)所说:每个人的心中都有一座神秘园。你可以在这里寻求慰籍。当你一个人静下心来聆听《Song From A Secret Garden》,就会知道此言不虚了。

粗听上去,新世纪音乐介于古典乐和轻音乐之间,但新世纪更富于变幻,因为她并不是单指一个类别而是指一个范畴,她包括了几乎所有不同以往,象征着时代更替,诠释精神内涵之改良的音乐。因此,你会发现能被称为新世纪的音乐是如此丰富,一切自然界的声音都可能出现在音乐中,所有种类的乐器在此一视同仁,其中的人声更是丰富,从歌唱家到土著乐手,一切都是那么自然。就一般而言,新世纪还是有其特点的:

其一,新世纪音乐很少有强烈的节奏(但ENIGMA的音乐却有很明显的节奏),这点同饶舌和摇滚形成了鲜明的对比,后两者几乎通篇就是各种打击乐,除了节奏还是节奏。对于新世纪而言,有了节奏就可能受限制。

其二,新世纪的旋律感常常很少。这点不同于流行乐,流行乐需要优美易记的旋律,以便于让每个人都能唱。有时候听了好几遍某首新世纪乐曲,还是记不住她的旋律,这便是新世纪赋予大家极大想像空间的原因了。

其三,新世纪音乐总是避免使用刺耳与急促的声音,因为这会增加音乐的压力,从而破坏聆听者的感觉。

其四,新世纪音乐的基础是是合音与和谐音,她摒弃了爵士和摇滚的发声方式,因为这会带来不和谐与不悦耳的感觉。

另,以古典音乐中的“四大要素”来归纳出New Age的特性——

1.节奏:

New Age的节奏很多是存在于音乐自然的律动与音符的强弱之间。其实,大部分NewAge 之所以要摒弃传统的节奏,是因为有了鼓、贝司与打击乐器,音乐的形态就会被限制死了,

而New Age是自然而自由的,有着风一般的流线姿态。

2.旋律:

New Age的旋律就与流行乐完全不同,其即兴演奏的味道很浓。聆乐者不仅很难记住旋律,而且更不知道旋律会在什么时候、什么地方终止。这也就是New Age音乐结构赋予大家

极大想像空间的原因之-。

3.和声:

New Age所用的和声大部分是相当和谐的,不协和音在New Age里使用甚少。这也是为何New Age听起来予人非常祥和之感的原因。

4.音色:

New Age的音色是透明的、神秘的,充满朦胧氛围,老实说,听New Age听到深处时,最大的享受之一便是音色的变幻。

除了这音乐的四大要素之外,New Age最大的魅力就是赋予聆听者一个极大的想像空间,你可以不受形式限制,自由地在无限的想像空间中驰骋。

在80年代中期新世纪已经逐渐成熟,杂志开始设立新世纪榜单。1986年举办的第29届葛莱美奖的奖项中,也增设了[年度最佳新世纪唱片]的奖项,第一个获得这个奖项的是演奏竖琴的奥地利籍音乐家:佛伦怀德。这算是New Age首度明确地成为音乐类别之一的标志。

特点* 大多很少具有强烈的节奏

* 相对流行音乐而言旋律感低,并充满重复的节奏

* 少有刺激和短促的声音,接近轻音乐

* 经常在音乐里利用人声合音与谐音

主要分类

* 器乐演奏

o 乐器独奏(Solo Instrumental)

o 新古典乐派(Neo-classical)

o 新原音乐派(New Acoustic)

* 环境音乐(Ambient Music)

* 电子合成

o 电子乐派(Progressive Electronic)

o 电子-原音乐派(Electro-Acoustic)

o 科技-原始部落音乐(Techno-tribal)

* 人声演唱

知名艺术家和艺术团体

西方

* 英国

o 莎拉·布莱曼 (Sarah Brightman)

o 格林高利合唱团 (Gregorian Chants)

* 爱尔兰

o 神秘园 又译:秘密花园(Secret Garden)

o 恩雅(Enya)

* 瑞士

o 班德瑞(Bandari)

* 希腊

o 范吉利斯 (Vangelis)

o 雅尼(Yanni) (雅尼是否属于新纪元音乐家存在争议,他本人似乎更倾向于称自己的音乐为现代器乐(Contemporary Instrumental))

* 德国

o 迷 (ENIGMA)

* 法国

o ERA (ERA)

* 其他

o Earl Klugh

o Cera Poggi

亚洲

* 华人地区

o 风潮 [1]

o 雨果 [2]

o 希客 [3]

* 日本

o 喜多郎(Kitaro)

o 神思者 (S.E.N.S)

o 姬神 (星吉昭 Himekami)

o 久石让 (Joe Hisaishi)

o 和平之月 (Pacific Moon)

New Age音乐代表人物介绍

欧洲应该算是新世纪音乐诞生的地方,德国又是其主要的发祥地,而奠定了德国新世纪音乐发展根基的应当算是 Enigma (英格玛)。

Enigma 源于希腊文,意指“谜一般神秘难解之事”。在英格玛背后的男人叫麦可克力图( Michael Cretu )他有着完整古典学院派洗礼的经历 ( 最高分毕业于德国法兰克福音乐学院,主修钢琴及作曲 ) 是奠定他编曲功力的重要起点 , 他懂得乐理,和声,对位,曲式等各种基础知识。他是一位天才的音乐家、制作人、音乐隐士。曾在西班牙的 Ibiza( 伊维萨岛 ) 上过着几乎与世隔绝的生活,与他的妻子 Sandra 搞创作,在他的作品中女声部分全部由他的妻子演唱。在其它的商业性宣传中,你实在难以找出用英、法、拉丁语交融的 Gregorian 圣歌、超现实主义的笛声、女人的浓重呼吸声及永远无法琢磨到的音源。

英格玛 Enigma 总是擅长采用一些别人不常使用而让你意想不到的音色,比如某种土著语言,采用地方民族音乐,加上他现代的音乐设备和手法演绎古罗马时期的格林高利圣歌,一种古典与现代的巧妙结合,体现出浓厚的宗教与哲学意味。应当说 Enigma (英格玛),是 New Age 发展历史上一座伟大的里程碑,对后来者的影响力和对新世纪音乐发展的贡献更是无法估量,我们后面将会讲到的英国的 Gregorian Chants (格林高利合唱团)其主要制作人 Frank Peterson 就曾经是 Enigma 的一员。即使有很多向其模仿、学习、借鉴的后起之秀,其中不乏 Deep Forest, Gregorian, Era 这种成了一派宗师的名家,都多少受到 Enigma 潜移默化的影响。

让我们了解一下德国其他几位著名的新世纪音乐人:

Oliver Shanti(奥立佛‧香提),的生平充满了传奇色彩,游历了大半个地球,将其所见所闻所思融入他的音乐。在他的音乐世界中体现出的世界音乐,不仅是民风的形,更是东方和西方文化哲思的交汇。从跑船人到创立SATTV MUSIC王国,奥立佛·香提正以渗透生命最初灵的原声燎掀世界音乐排行榜的狂焰!而来自德国的他,致力消除民族隔阂,促进民族间相互融合的工作,同时也对第三世界的儿童付出关怀与协助。

同样颇具传奇色彩的还有 Karunesh (梵语伟大的怜悯之意)。曾在印度游历学习,这也是为什么他相当一部分音乐作品是充满了空灵催眠性质的冥想音乐的缘由,这类音乐的代表作就是《 Zen Breakfast 道禅》。

另外出生于德国的 Mars Lasar ,他的作品的最大特点之一就是常在一段基本旋律上反复变奏并衬托以丰富多彩的配器变化,呈现出层层叠叠的独特美感。他的早期作品电子味十足又富于幻想,因而赢得了“科幻派”的美誉。代表作《 Karma 因缘》被很多人认为是 2000 年跨入新世纪以来最出色的新世纪音乐专辑之一。

英国也是欧洲新世纪音乐的一个重要组成部分,涌现出大批优秀的音乐人。

Sarah Brightman (莎拉·布莱曼)说:我只是尽我所能,发挥上帝赐予我的天赋。在美丽、冷艳的外表后面,她游走于音符之间,放任在流行与古典的边缘。她的歌声充满了个人特质,让人充满迷惑与想象,能给航行在海上的水手带来一种方向感、归依感。她的音质纯净、通透,尤其演唱不食人间烟火的角色时格外惹人怜惜。

Gregorian Chants (格林高利合唱团)大家可能不太熟悉,他是由 12 位拥有深厚古典基础,并在英国伦敦乐界有一定地位的男演唱家所组成。因为古罗马时期的格林高利圣咏是纯男声的无伴奏的宗教音乐,如果你亲自听过,再比较来听格林高利合唱团的作品,你不光会明白,更多是赞叹,因为他以现代的配器手法加上了伴奏,对格林高利合唱团,有一句绝妙的形容:“他们让上帝穿上了牛仔裤。”

Enya(恩雅)恩雅的真名是 Eithne Ni Bhraonain ,这个加拿大裔的女歌手是爱尔兰人,她将自己的音乐素养与爱尔兰民谣相融合,再拼贴组合成富于个人风格的音乐。她从小接受严格的古典音乐训练,长达十年的钢琴以及五年的歌唱训练,使她的歌曲具备了新古典主义的内核,譬如她的许多歌曲的歌词都是中世纪欧洲的古诗。她的声线又具有非常强烈的融合性,从古典到流行,从民歌到新世纪,她总能游刃有余、挥洒自如。恩雅,这位80年代末到90年代初崛起的爱尔兰女歌手,有着中世纪的幽静和飘逸。身为音乐奇才的她在专辑中集作曲、演唱、编曲和演奏于一身,甚至连混音与合成都一手包办。她周游于流行乐和古典传统乐之间,天籁般美妙的嗓音迷煞了世界上大部分的听众。

爱尔兰音乐家中最为人熟知的,还有“ Secret Garden (神秘园)”。神秘园的音乐制作人 Rolf Lovland 是挪威人,而小提琴手 Fionnuala Sherry 是爱尔兰人,音乐以钢琴和小提琴为主线,时而辅以人声或其他乐器。两者的音乐风格,更是挥之不去的爱尔兰风土乡情,可以说他们为爱尔兰音乐的普及起了不可或缺的推广作用。

爱尔兰是一个盛产音乐家的地方,除了以上列举的,还有 Medwyn Goodall , Matthew Lien (马修 . 连恩), phil coulter (菲尔 . 柯尔特), Bill Wheland, Annbjorg Lien, Michael Danna Jeff Danna 兄弟 , Ron Korb, Ronan Hardiman 等等都是凯尔特音乐名家。

Bandari(班得瑞)乐团,是由一群年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师组成的,1990年发迹瑞士。他们从开始执行音乐制作,便深居在阿尔卑斯山林中,直到母带成品完成。置身在自然山野中,让班得瑞乐团拥有源源不绝的创作灵感,也拥有最自然脱俗的音乐风格。班得瑞的音乐里,展现了他们独特的编曲手法,以清爽的配乐架构出零压力、零负担的乐曲,他们细酌每一轨声道的解析度,使音域更宽广,音场效果更具空灵感,完全让你融入到大自然中去……

可能《女巫医》本身远比它的作曲新纪元音乐全才Medwyn Goodall(梅德温,英国人)来的更有名气。该专辑的乐器演奏,运用南美的轻松节奏,直笛、键盘及敲击乐器演出天籁之音,让人闭上眼可以想像出一幅热带雨林的奇异景色,百听不厌。梅德温说:“我的音乐使人们减轻压力并放松精神,它具备某种精神和你心灵深处的灵感,它具有震动的音调,不猛烈的节奏。我的音乐与其说是我的创造,不如说是对灵魂的洗涤。我不想让人们睡觉而是让他们进入能做任何事情的梦境;鼓励他们发挥他们自己的创造力

在希腊, Vangelis (范吉利斯),一位堪称伟大的音乐家。他集创作,演奏和音乐制作于一身,是一个真正的音乐全才,被评论家誉为“现代的瓦格纳”。孩童时期,范吉利斯那独特的音乐天赋就显露无疑。他没受过任何专业训练,却 4 岁开始创作音乐, 6 岁就举行了自己作品的首次公演。最知名的作品如 1981 年的《 Chariots Of Fire (烈火战车)》, 1983 年的《 Theme from Antarctica (南极物语)》, 1992 年的《 1492 ~ Conquest of Paradise (哥伦布传)》等等,都是享誉全球的巨作。其中烈火战车以及哥伦布传更都荣获当届的奥斯卡最佳配乐奖,他的许多音乐,包括以上的三大名作、 Pulstar (脉冲星)、喜马拉雅山等等,都曾被不计其数的影视作品和广告引用过,相信许多人听过他的专辑后可能都会发出恍然大悟的一声赞叹。

Yanni (雅尼),对于普通人都不会太陌生的名字。 1997 年那场北京紫禁城音乐会,让无数老百姓们认识了他,并曾先后在印度泰姬陵、希腊卫城举办音乐会。他 1954 年诞生于希腊的 KalAMATa(卡拉马塔),本名克里索马里斯,高中后便前往美国 Minnesota (明尼苏塔)大学进修。在大学期间自学键盘、作曲、制作,并加入 Private Music ,尽展其音乐天赋,一鸣惊人,是 Private Music 有史以来销量最好的艺人,整个 80~90 年代,他一直活跃不息,发行过超过 30 张专辑,而且全都水平不俗。雅尼现在已经成为全世界最具有创新精神的作曲家和演奏家之一,他成功地掀起了一阵热潮。他最擅长的事情是通过音乐与人达到共鸣,无论是通过他的音乐会还是通过电视和电台的广播,或者通过他的音乐专辑。

外网原神二创也卷起来了?多国音乐家联手,完美演绎游戏音乐

这年头,万事万物皆可内卷。就拿咱们最熟悉的 游戏 二创来说,早些年玩家能P个沙雕图、弄个表情包什么的就已经相当用心了。

到了现在,原神玩家似乎人人都是大艺术家,同人图都相当高质量;乐器一吹,现场让你知道啥叫才艺天花板。这时如果再来点真正的大佬凑在一起搞事,那这作品质量必然直冲云霄。

就在最近,《原神》就迎来了一则这样的“神仙”音乐二创。三位来自国外的音乐家仅以电钢琴、大提琴、三味线这几种乐器,将《原神》内蒙德、璃月、以及稻妻区域内的特色曲目串联在一起,为世界玩家献上了一场音乐盛宴。

虽说整个视频只有短短的4分钟,却足以让表演者通过指尖将彩色的乐符跃动于玩家耳畔;再加上精致的服装设计以及巧妙地运镜手法,自然引来了观众们的连连称赞。甚至有人还从中悟出了《原神》连接世界玩家的秘诀,那就是高质量的 游戏 本体,外加旅行者们的实力二创。

不得不说,音乐确实是世界上最强大的“语言媒介”,无论是原神 游戏 里的官方音乐、还是二创,这些乐曲都连接了全世界玩家的心。

《原神》在音乐方面的确下了一番狠功夫,并具有相当的专业性。早在2011年米哈游就创立了HOYO-MIX音乐团队,其目的意在于更好地为己方 游戏 作品输送高质量 游戏 配乐。而HOYO-MIX的确不负众望,其旗下作品曾多次杀入网易云音乐榜单,单曲《Rubia》还曾拿下过iTunes歌曲排行最高地区TOP3(新加坡地区)的好成绩。

待到《原神》概念IP提出后,HOYO-MIX则紧锣密鼓地开始了相关音乐创作,并与伦敦爱乐乐团、上海交响乐团与民乐艺术家共同完成了 以国风为主体的《原神》璃月篇OST《皎月云间之梦 Jade Moon Upon a Sea of Clouds 》的制作。

与此同时,为打造蒙德篇OST《风与牧歌之城 City of Winds and Idylls》,原神音乐团队更是远赴伦敦找到伦敦爱乐乐团上门求教。其目的就是为了打造出100%的纯欧式音乐,以展示风之国蒙德的区域特点。

而《原神》稻妻篇OST《寂远无妄之国 Realm of Tranquil Eternity》,亦是由此音乐部门与东京爱乐乐团亲力合作完成。由于语言不通外加乐器演奏难度过大,整个录制工作近乎花费了1个半月的时间,为的就是精益求精、力求完美。

如此种种,足以见得《原神》在音乐塑造方面的良苦用心,而其在今年10月份举办的线上音乐会更是震惊了海内外的玩家。毕竟当时正值《原神》的周年庆,而官方选择了这样一份意义非凡的礼物送给玩家,实乃别出心裁。相比于发放 游戏 内的道具作为奖励,一场免费且规模庞大的音乐会明显更具意义,同时也让《原神》的一周岁生日变得更加令人难忘。

与此同时,或许是金子就会发光的缘故。《原神》的音乐获得了我国驻意大使馆的青睐,被用于线上招待会。

而在今年的PS音乐大赏中,《原神》则凭借专辑《风与异乡人 Le Vent et les Enfants des étoiles》拿下了第二名的好成绩。这也是国产 游戏 此类大赏评比中首次榜上有名,可谓开创了 历史 的先河。

不知不觉中,《原神》已经陪伴了我们一年之久,而 游戏 内的进度也已经抵达了稻妻。在未来还有更多的区域乃至国度在等待着我们,随之而来的还有更为精致的 游戏 环境、更多的玩法,以及更多优质的音乐作品。那么就让我们共同期待吧~!

音乐家的简介

“歌曲之王”—— 舒柏特

舒柏特(1797—1828)出生于维也纳近郊一个小学教员家庭。他8岁开始学习音乐;16岁担任助理教师,教授私人钢琴,以此谋生。1813年,当他毅然离家去维也纳作一个“自由艺术家”的时候,对未来充满了美好的向往。但他所处的时代正是法国资产阶级革命失败,欧洲处于反动王朝复辟的时期。

他一生共写下了1500首作品。包括14部歌剧、9部交响曲、100多首合唱曲及600多首歌曲等,其中最著名的有交响曲《未完成》、钢琴五重奏《鳟鱼》、声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》等。

他创作的中心是歌曲,有“歌曲之王”的美称,他的歌曲优美、质朴而深刻,充分体现了诗歌的意境。作品中折射出那个时代小知识分子的苦闷与压抑、欢乐与痛苦,成为浪漫主义艺术的典范。

欣赏:

1、小提琴独奏曲《小夜曲》(2:46) 歌词大意:①“我的歌声穿过深夜,向你轻轻飞去,在这幽静的小树林里,爱人,我等待你!”

②“你可听见夜莺歌唱,她在向你恳求,它要用那甜蜜歌声,诉说我的爱情。”

2、A大调钢琴弦乐五重奏(鳟鱼)第四乐章(7:35)创作背景: 1817年,舒伯特创作了著名的歌曲《鳟鱼》,歌曲用二段体写成。第一段描写鳟鱼在清澈的小河中欢畅地戏游,第二段描写狡猾的渔夫把河水搅浑,得以浑水摸鱼。后来,创作《A大调钢琴弦乐五重奏》时,采用了这首歌曲的曲调,故又称《鳟鱼五重奏》。

“钢琴诗人”——肖邦

肖邦(1810——1849)波兰钢琴家、作曲家。生于华沙附近的一个教师家庭,父亲是侨居波兰的法国人,并是一位长笛演奏家,母亲是波兰贵族世家的女儿,钢琴弹得很好。他从小喜欢音乐,6岁接受严格的钢琴教育,9岁就在音乐会上公开演出。16岁时进入华沙音乐学院,跟随院长艾尔斯纳学习音乐理论。1830年,20岁的肖邦出国作旅行演出。他来到了巴黎,当时的巴黎是群星荟翠的艺术之都。他在这里以作曲家、钢琴家的身份获得了盛誉。1849年10月17日,他在巴黎病逝。

他的音乐潇洒、飘逸、含蓄、柔情,而这一切又都是在浓郁、鲜明的民族风格和热烈、深沉的富爱国热情中表现出来的。,人们称他为“钢琴诗人”。他为后世留下了二百余首钢琴珍品,有以《c小调革命练习曲》为代表的27首练习曲,有富于民族风格的51首玛祖卡舞曲,有着阳刚之美的《降A大调波兰舞曲》(也叫波罗涅兹舞曲),而他的21首《夜曲》更是钢琴音乐中的精品,另外还创作了许多钢琴奏鸣曲和协奏曲等。

欣赏:

1、《降D大调一分钟圆舞曲》 (小狗)(1:51)

2、《f小调第二钢琴协奏曲》第二乐章(15:06)演奏:伦敦交响乐团、钢琴:鲁宾斯坦 、指挥:安德列-普列文

(注)安德列-普列文(1929--)出生在德国的柏林,犹太人。二战期间随家人到了美国,从1963年开始指挥生涯,先后担任过美国圣路易斯交响乐团、休斯顿交响乐团、匹兹堡交响乐团和英国伦敦交响乐团的音乐指导和常任指挥。

1813年10月10日,威尔第出生在意大利北部一个小城镇里,他的父亲是农民,开了个小客栈。威尔第曾被米兰音乐学院拒之门外,但他没有灰心丧气。他拜著名指挥家拉威尼阿为师,日以继夜的努力学习,很快就绽放出天才的光芒。

威尔第所处的正是意大利最为动荡的时代。他的成名作《纳布科》映射了奥地利对意大利的残酷统治,因此受到了意大利人民的极度欢迎,取得了轰动性的成功。从《纳布科》开始,威尔第踏上了辉煌的征程,他的歌曲插上了金色的翅膀,飞遍了意大利的山山水水。

从19世纪50年代,威尔第的创作进入成熟阶段,他的三大名作《弄臣》、《游吟诗人》、《茶花女》相继问世,他又陆续写出一批很受欢迎的歌剧:《西西里晚祷》、《西蒙-波卡涅格尔》、《假面舞会》、《命运的力量》、《唐-卡洛斯》、《阿依达》。

《阿依达》使歌剧大师的声望登上一生的顶峰。这部歌剧是应埃及总督之邀而写,它描述了古埃及的一个著名历史故事。1871年12月24日,开罗首演大获成功。一个半月后,这部歌剧在米兰斯卡拉剧院上演,威尔第亲自指挥,意大利国王莅临观看。剧场内外盛况空前。

在威尔第八十高龄时,他又写出了最后一部歌剧《福尔斯塔夫》,如此长久的艺术生命不能不叫人惊叹。

1901年1月27日,威尔第在米兰逝世。在无边的送葬队伍中,自发的响起了动人心魄的歌声:《纳布科》中最著名的唱段《飞吧,思想,乘着那金色的翅膀!》

勃拉姆斯

勃拉姆斯Johannes Brahms(1833-1897)

作家生平作品:学院节庆序曲、D大调小提琴协奏曲、德意志安魂曲、第一交响曲、第四交响曲、匈牙利舞曲、摇蓝曲。

学院节庆序曲作于1880年。1879年3月,布雷斯劳大学授予勃拉姆斯哲学博士的学位,他为此写了这首曲子加以感谢,但作品直到1880年8月才完成。1881年1月由作曲家亲自指挥首演于布雷斯劳大学。作者曾说这是“宴席上欢乐的学生歌曲的集锦”。

勃拉姆斯D大调小提琴协奏曲真不愧是音乐史上最伟大的四大小提琴协奏曲之一。 不论技巧曲风都足堪与贝多芬等齐名。 有人说如果贝多芬的小提琴协奏曲是男性, 孟德尔颂的是女性。 那勃拉姆斯的就是男性中的男性。 乐评家说贝多芬的小提琴协奏曲: 表面平静骨子里却充满风暴。 那勃拉姆斯的小提琴协奏曲呢? 相信大家都听得出来, 第一三乐章雄劲粗犷热情豪放, 巨人登场架式英雄纵横性格, 有别于贝多芬的内敛。 这也是勃拉姆斯小提琴协奏曲特别雄伟壮丽的原因之一。 可与其第一号交响曲互相媲美彼此呼应。 不过问题好像也是出在这里? 好几位欧美日本乐评家认为勃拉姆斯小提琴协奏曲成熟度构思深奥曲趣深邃, 几乎是完美珍品, 为他曲所不易见, 但唯一的瑕疵也正由于它交响曲个性。 难道这是乐团结构使然或是小提琴本身特性使然?小提琴协奏曲就不能色彩富丽爆劲磅礴吗? 勃拉姆斯第1 号钢琴协奏曲也有交响性格, 乐团咄咄逼人, 但争议好像少点。或许是钢琴的音量大馀韵深远, 置身在管弦乐团风雨交织的波浪中, 仍能突显出它身为弹弦(击弦)乐器相异音色的特性, 别有一番美感。 而小提琴协奏曲中协奏夥伴正是弦乐器与管乐器, 小提琴又占有相当重要的比例, 独奏小提琴音量有限, 音高音程与协奏小提琴部分重叠, 一旦面临总奏,Solo好像快被淹没吞噬了?? 以上这样解释不晓得是不是太过浮面? 廿世纪也有一首协奏粗旷大胆鲜丽的哈察都量小提琴协奏曲,但却未闻因曲风雄伟而淹盖Solo的情形? 或是因为协奏曲基本上就不同于交响曲, 不适于"交响化"。 或是因为协奏曲的表达内容更著重于表现独奏乐器的运动性吧。

勃拉姆斯的《德意志安魂曲》在安魂曲音乐中的特殊的地位,在于它不但是以德语演唱的("德意志"在此有"德语的"及"德国的"双重意义)、唱词摆脱了传统的拉丁语经文的规范,而且精神上更富于人性,从天主教的神性转向自马丁。路德以来在德国兴起的新教的精神(在这个意义上是"德国的")。勃拉姆斯是从1857年开始创作《德意志安魂曲》的、那年他才24岁。到1861年,安魂曲已经写了四个乐章。1865至1866年间,为纪念母亲的去世,勃拉姆斯增加了两个乐章。到1868年写出最后的一段音乐(有女高音独唱的第五乐章)后,此曲才告完成,创作前后历时11年。最终版本的《德意志安魂曲》共有七个乐章。勃拉姆斯是个虔诚的新教徒,《德意志安魂曲》的唱词是他自己从路德翻译的旧约和新约圣经中关于死亡、信仰和永生的段落中精心挑选编缀而成的。由于勃拉姆斯极其熟悉《圣经》,唱词编来浑然一气,不落痕迹,只就文字来论,已是大手笔。他写的音乐和他挑选的唱词配合得天衣无缝,在这里虽然也有哀悼,也有悲伤,但是没有传统的关于末日审判的恐怖,没有奉献、赎罪、超拔的内容,而是代以一种不同的关于生与死的信念:凡有血气的,尽都如草如花,草必凋残,花必谢落;但是有信仰的,死亡并不是一件可怕的事,他们会从上帝那里得到安慰。如果把这里的"上帝"换成"信仰"二字,就有着更广泛的涵义。

勃拉姆斯虽然只写了四首交响曲,但仍被称为是贝多芬以后最伟大的交响曲作曲家之一。他的《第一号交响曲》被世人称为《第十号交响曲》。所谓“第十号”乃是指本曲续接于贝多芬“不朽的九大交响曲”之后,成为第十首著名交响曲之意。乐曲中充满斗争、烦恼、苦闷、失意、喜悦等人间七情六欲的交织,是遍历人世沧桑者最伟大的精神安慰,也是勃拉姆斯留给世人的精神至宝。 有趣的是,勃拉姆斯故意在本交响曲的最后一个乐章中引用了贝多芬《第九交响曲》中“欢乐颂”的曲调,不负其《第十号交响曲》之美名。本曲的作曲一共花了二十一年的时间(1855-1876),完成时,勃拉姆斯已经四十三岁。本交响曲的写作之所以耗时长久,并不是因为作曲者忙于其他作曲工作,而是他态度十分慎重。勃拉姆斯本来就很严谨,在交响曲创作方面更是如此。他立志:要写便写出能和“不朽的九大交响曲”并驾齐驱的作品,以不辱前人风范。所以他不惜半生的推敲、琢磨,才写出了这首能和贝多芬交响曲相提并论的,登峰造极、光芒万丈的巨作。

本曲完成于1885年,同年十月由勃拉姆斯亲自指挥首演。作者从1884年夏就已开始创作本交响曲,历经一年才告完成,由此可见勃拉姆斯那一丝不苟的创作态度。本交响曲和作者其他三部交响曲在性格上迥然不同:第一,它具有前三首交响曲中所没有的忧愁色彩,即后人所说的“古典悲剧性”。其实在这以前,勃拉姆斯也常在他的作品中抒发忧愁的情思,但像本曲这样,以忧愁作为乐曲的基调,却属首次。它的第二个特征是,全曲以“古老”的手法写成。当然,古老、典雅是勃拉姆斯全部作品所显示的重要特征之一。由于本交响曲具有这些特征,所以一直未能得到普遍的理解。但本曲的深刻隽永,终于逐渐被听众所接受。本曲在勃拉姆斯生前,就已经常被演奏,而且经常博得满堂喝采。

勃拉姆斯全部作品中最广为世人所知的乐曲,不但到处被演奏,而且被改编成各种不同形式的器乐曲。勃拉姆斯自1852年开始创作这一系列乐曲,当时他在维也纳对该地的吉普赛音乐颇感兴趣,于是记下了许多吉普赛音乐的旋律。1869年他开始出版“匈牙利舞曲集”,实际上大部分是借用了吉普赛音乐的旋律,加以编辑和整理而成。勃拉姆斯的匈牙利舞曲是由21首“四手联弹”钢琴小曲所组成的曲集,虽然每一首乐曲的旋律和风格不尽相同,却都混合着匈牙利民族音乐和吉普赛民族音乐的特色:节奏自由,旋律有各种各样的装饰,速度变化激烈,带有一定的即兴性;形式虽然没有统一的规定,但以三段体为最多。勃拉姆斯的全部匈牙利舞曲都可归为世界名曲,尤以前十首最受世人的青睐。

这首常用于小提琴独奏的《摇篮曲》,原是一首通俗歌曲,作于1868年。相传作者为祝贺法柏夫人次子的出生,作了这首平易可亲、感情真挚的摇篮曲送给她。法柏夫人是维也纳著名的歌唱家,1859年勃拉姆斯在汉堡时,曾听过她演唱的一首鲍曼的圆舞曲,当时勃拉姆斯深深地被她优美的歌声所感动,后来就利用那首圆舞曲的曲调,加以切分音的变化,作为这首《摇篮曲》的伴奏,仿佛是母亲在轻拍着宝宝入睡。原曲的歌词为“安睡安睡,乖乖在这里睡,小床满插玫瑰,香风吹入梦里,蚊蝇寂无声,宝宝睡得甜蜜,愿你舒舒服服睡到太阳升起。”那恬静、优美的旋律本身就是一首抒情诗。 后人曾将这首歌曲改编为轻音乐,在世界上广为流传,就像一首民谣那样深入人心。

美国音乐经过长期发展,到20世纪初才具备独特的美国风格,并取得了与西方各国音乐文化同样重要的地位。在此之前,美国境内存在着生活在这块土地上的各个民族或种族的音乐,也存在着欧洲音乐家从欧洲各国带来的专业音乐。它们之间经过长时期的相互影响、融合,促进了美国音乐的形成和发展。

16-18世纪 印第安人的歌唱主要用于劳动、婚丧、准备作战等场合,以鼓等打击乐器伴奏,音调简单,独具一格。16世纪后,随着各国移民的到达,也带来了他们本国的音乐文化。经过激烈的争夺,英国人终于取得了在北美大陆的优势。因此,英国音乐对美国音乐的影响最大,它为美国音乐的形成奠定了最初的基石。1619年,第1批非洲黑人奴隶被贩运到北美。非洲黑人酷爱音乐,惯于一边劳动一边唱歌。黑人音乐的动人曲调和独特的切分节奏,对美国音乐的发展起了巨大作用。

1640年,马萨诸塞出版了《海湾诗篇歌集》,是北美刊印的第1本书。18世纪初,为提高歌唱水平,许多牧师著书指导唱歌。同时,随着移民的增加和一些大城市的逐渐繁荣,世俗音乐也变得活跃起来。欧洲乐器如小提琴、吉他、哈普西科德等开始流行,出现了专业音乐家。1731年在波士顿举行了第1场音乐会。通常的音乐会节目包括爱国歌曲、歌剧咏叹调、传统民歌等,有时也有一些标题的或无标题的器乐作品。在此基础上产生了美国本地出生的第!批作曲家。同欧洲音乐相比,当时美国作曲家的作品被认为不够成熟。

19-20世纪 19世纪初,许多欧洲音乐家来到美国,他们带来了远比美国先进的音乐水平和技巧。1848年欧洲革命后,又有大批德国音乐家移居美国。他们使原先习惯于赞美歌的美国人的音乐趣味发生明显变化,也给美国年轻一代作曲家的创作带来巨大影响。与此同时,音乐教育获得迅速发展。

南北战争后,美国音乐生活更趋活跃,又有一些重要的音乐团体相继建立,如大都会歌剧院(1881)、波士顿交响乐团(1881)等。更重要的是,出现了一批具有相当专业技巧的作曲家。他们把美国音乐提高到了欧洲的水平,但作品缺乏独创性,带有明显的模仿倾向。其中成就最高的是E.麦克道尔,他被认为是美国第1个取得国际声望的作曲家。

当美国作曲家几乎都在追随欧洲风格时,歌曲作家S.C.福斯特却采用美国黑人音乐的曲调进行创作。他的很多歌曲是为当时盛行的“黑人剧团”(由白人化装扮演黑人,其成员称为游吟艺人)写作的;而真正的美国黑人音乐却末受到重视,它们只在黑人中流传发展。当时流行的黑人音乐主要类型有灵歌、布鲁斯、劳动歌曲等。

19世纪末20世纪初,美国出现了摆脱德国音乐控制的新潮流。捷克作曲家A.德沃扎克对此起了很大作用。他于1892-1895年间应邀就任纽约音乐学院院长。他建议美国作曲家把美国印第安人和黑人音乐运用到自己的创作中去。也有的作曲家转向法国音乐,他们的创作与印象派有着密切联系。另有一位作曲家C.E.艾夫斯在独自探索美国化的音乐语言。他在当时并未引起人们的注意,后来才被认为是美国老一辈最著名的作曲家。

20年代,社会舆论鼓励美国作曲家创作具有美国风格和特点的作品。一批作曲家在各方面支持下,为美国民族主义音乐的确立作出了贡献。特别在交响乐领域,他们为美国音乐赢得了与欧洲各国音乐并驾齐驱的地位。曾在巴黎从法国作曲家N.布朗热学习的A.科普兰、R.哈里斯、W.辟斯顿、V.汤姆森以及R.塞欣斯(1896-)等人,都在一定程度上把美国的音乐语言与西方第一流的作曲技巧结合起来。他们的学生和追随者如W.舒曼、S.巴伯、L.伯思斯坦等继承了他们的道路。这些青年作曲家大都是国内培养起来的。

20-30年代的美国音乐并不只是朝着一个方向发展。西方音乐在第一次世界大战后经历了空前的剧烈变化,出现了新的现代音乐流派;即便是上述作曲家,在他们的某些作品中,也表现出不同程度的实验的性质。最重要的实验主义者是1915年定居美国的法国作曲家E.瓦雷兹。同时期,美国的流行音乐空前发展。特别是从黑人音乐布鲁斯、拉格泰姆等演变而来的爵士音乐风行全国。具有独立的美国风格的音乐剧(亦称百老汇歌舞剧)是在欧洲的轻歌剧和喜歌剧的基础上逐渐发展起来的,在流行音乐中占有特殊地位。著名的音乐剧作曲家有R.罗杰斯(1902-1979)、G.格什温、伯思斯坦等。

纳粹政权的出现和第二次世界大战,使许多著名的欧洲作曲家来到美国,如P.欣德米特、B.巴托克、勋伯格、斯特拉文斯基、D.米约等。他们给美国音乐生活带来了新的巨大影响。美国成为西方音乐文化的一个重要中心。美国音乐创作的民族性不再受到重视,许多美国作曲家的作品与欧洲音乐在风格上的差别几近消失。

50年代以后,美国音乐更趋多样化。尽管有的作曲家基本上按照传统的音乐语言进行创作,但是吸引着新一代作曲家的是层出不穷的各种新音乐流派,代表人物是J.凯奇。在流行音乐领域内,也出现了新的品种。从布鲁斯等音乐发展而来的摇滚乐风靡全国,爵士音乐退居次要地位。摇滚乐的代表人物有E.普雷斯利(1935—1977)等,民歌的著名歌手有B.迪伦(1941- )等。70年代以后,摇滚乐的热潮逐渐衰退,各种流行音乐互相影响,在风格上趋向综合。最著名的流行音乐歌手是M.杰克逊(1958—)。

在音乐表演方面,美国往往由于拥有世界第一流的指挥、独奏家和歌剧演员而达到很高水平。美国的交响乐团占全世界总数的一半以上。其中波土顿、芝加哥、克利夫兰、纽约和费城等交响乐团均享有国际声誉。

克劳德·德彪西(ClaudeDebussy,1862年8月22日—1918年3月25日,又译克劳狄·德布西)

法国作曲家。生于商人家庭。十一岁进入巴黎音乐学院。1884年以大合唱《浪子》获“罗马大奖”,后赴意大利学习两年。艺术上反对旧传统,并受东方音乐及唯美主义思潮的影响,逐渐形成对现代欧美音乐具有深远影响的印象乐派。而其实质更接近于象征派。德彪西私生活上也相当反传统,甚至为圈内朋友所看不惯。

他于1873年入巴黎音乐学院,在十余年的学习中一直是才华出众的学生,并以大合唱《浪子》获罗马奖。后与以马拉美为首的诗人与画家的小团体很接近,以他们的诗歌为歌词写作了不少声乐曲。并根据马拉美的同名诗歌创作了管弦乐序曲《牧神午后》,还根据比利时诗人梅特林克的同名戏剧创作了歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》。他摆脱瓦格纳歌剧的影响,创造了具有独特个性的表现手法。钢琴创作贯穿了他的一生,早期的《阿拉伯斯克》、《贝加摩组曲》接近浪漫主义风格;《版面》、《欢乐岛》、两集《意象集》和《二十四首前奏曲》则为印象主义的精品。管弦乐曲《夜曲》、《大海》、《伊贝利亚》中都有不少生动的篇章。第一次世界大战期间,他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品,创作风格也有所改变。此时他已患癌症,于1918年德国进攻巴黎时去世。

在三十余年的创作生涯里,他形成了一种被称为“印象主义”的音乐风格,对欧美各国的音乐产生了很深远的影响。

一、德彪西的“梦幻世界”德彪西这位现代音乐的创始者,开发了任何音乐家都没有发现过的、奇怪的音的世界。他生于1862年。他的前辈中并没有音乐家,他的父亲是一个店主,穷得不能给他的儿子任何种类的教育,因此他计划使他的孩子成为一个水手。但是一位曾经做过肖邦学生的好心肠的夫人,对这个有音乐天赋的孩子很感兴趣,于是免费给他上课。德彪西十分珍惜这个机会,他努力学习,十一岁的时候,德彪西就考上了巴黎音乐学院。德彪西在音乐学院期间,成为某位有钱的俄国贵夫人的一个三重奏中的钢琴家,并且有机会到欧洲各地旅行——佛罗伦萨、维也纳、威尼斯,而且最后在那个贵夫人的俄罗斯庄园里住了一段时间。在那里,德彪西遇到一些正在努力从民间音乐中为他们的祖国创造一种民族音乐的俄国作曲家。德彪西对这些俄国音乐家所使用的,与别国作曲家们所用的大调、小调音阶大相径庭的奇怪音阶非常感兴趣,这些音阶是建立在狂热的东方民族的民间音乐基础之上的。一年以后,德彪西回到巴黎音乐学院,并像许多别的法国音乐家们一样,赢得了罗马奖而完成了他的音乐学院课程。但是他写的音乐与别的音乐家完全不同,他不常使用那些传统古典音乐中所用的大调和小调音阶。有时,他会回到早期教堂音乐的那些有点古怪的古老调式上去,他还经常使用一种全音音阶。我们的大调和小调音阶是由七个音组成的,五个全音和两个半音,而大调与小调音阶之间的区别在于那些半音放在哪里。在大调音阶里,半音总是处于第三音和第四音,和第七音和第八音(3-4;7-1)之间。在小调音阶里,其中的一个半音总是在第二音和第三音之间,但是也有几种不同的小调间音阶,在那里,第二个半音处在不同的地方。德彪西最喜欢的音阶有六个全音而完全没有半音(如C、D、E、升F、升G、升A),所以他的旋律听起来同任何过去的音乐都不一样,而他的和弦就更加奇怪。德彪西正是运用了他所偏爱的全音音阶,构筑起他与众不同的“梦幻世界”。

二、泛音德彪西对传统音乐作了许多大胆革新。之所以只有他敢这样做,也许是因为任何一个音乐家都不曾有过他这样的一双敏锐的耳朵:德彪西实际上比一般人听得见更多的泛音。正像一种颜色往往是由一些别的颜色组成的那样(紫=蓝+红,橙=红+黄,等等),一个音往往也是由许多音组合而成的。各种音是由空气中的各种振动引起的,而正如我们从希腊的单弦琴上看到的那样,一个音是高还是低,要看振动有多快。但是,一个音除了第一个或主要的振动之外,还有一些次要的、共鸣式的振动,正象一块扔到水里的石头引起的不是一个波,而是一圈圈不断扩展开的波纹。泛音中的第一个和最强的是基音上面的第五个音,这是德彪西不用助听器也能听得见的音。假如我们有一架调音调得很准的钢琴,不出声地按下一个琴键,然后很响地敲击它上面或下面的第五个音,我们就往往能听见它作为另一个音的泛音,发出德彪西曾经用耳朵听得见的效果。第二个泛音是原来的音(基音)上面的第十个音,第三个泛音还要高,但已十分微弱。下面的泛音依此类推。造成不同乐器音色差别的主要原因,就是泛音的不同。一把像小提琴那样的乐器,其中的较低的泛音较强,就有一种平滑而圆润的音质;而一把象小号那样的乐器,其中较高的泛音较强,就有一种较为洪亮的音质。德彪西建造他那古怪的、非尘世的音乐,用的就是这些在空气中听不见其振动的音。他为了让所有的人们都听见,大胆地敲响了那些人们甚至还不知道自己已经听见了的声音。由于德彪西敏感的耳朵,他还在管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的、闪烁着的音响效果。起初人们还被他的音乐所困惑,并且不知道怎样理解它,但是一旦听惯了,就会非常喜欢它。德彪西所创立的这种音乐,就是被后人称为“印象主义”的音乐。

■主要作品

按体裁时间分列:

管弦乐曲:《春》(1886);《牧神午后前奏曲》(1894);《夜曲》(1899);《大海》(1905);《圣塞巴斯蒂安之殉难》(1911);《意象》(1912)

室内乐:《弦乐四重奏》(1893);《大提琴奏鸣曲》(1915);《长笛、中提琴和竖琴奏鸣曲》(1915);《小提琴奏曲》(1916-1917).

钢琴曲:《贝加莫组曲》(1905);《钢琴曲》(1901);《版画》(1903);《意象》(1905和1907);《儿童园地》(1908);《前奏曲》(卷I:1910,卷ii:1913);《练习曲》(1915);《白与黑》,为双钢琴而作的(1915).

合唱作品:《浪子》(1884);《中选的小姐》(1888);

歌剧:《佩利亚斯与梅丽桑德》(1902).

歌曲:五十余首

请各位达人推荐一下类似于班得瑞、神秘园和雅尼一类的New Age音乐家

NEW AGE名家简介 :

班得瑞

被称为世界花园的瑞士,宛如是造物者从地球彼端分别出来,用以向世人揭示仙境的风光。那几乎象是童话中的一草一木、一景一物,围圈着人间难得纯粹的圣地。从瑞士的大地怀抱里,孕生出BANDARI这个梦幻的抒情演奏乐团。将属于瑞士的湖光山色,在音乐中予以唯美地具象。每一个音符,都代表层层压缩到内心里的感动、诚恳、温情地。虽然听似天籁般遥远,却点点滴滴敲着心门。就象久违的老朋友,仅隔一壶茶,交换着你的故事和他的故事。奇妙的是,在你们之间几乎没有语言的隔阂和桥梁,有时连音乐本身,也经常被遗忘在你们心的共鸣背后。当演奏声响起,四下空间里便随着你的心事起伏微妙的变化,空气变轻了,往事变近了。长久贴在心上的埋怨如今变得连自己也讥笑了,BANDARI的音乐具有为心灵洗涤灰尘,为暗夜点亮灯光,那能量化身为钻石颗粒状的瑞士阳光,夹带着一段段精致堆叠的乐句,不断撞击沉寂已久的灵性。于是你能重新完成更多生命所交付的课题,在处身周围搭建起你自己的仙境。

BANDARI由一群年轻作曲家,演奏家,音源采集工程师组成的[BANDARI]乐团,在瑞士发迹,于1990年红遍欧洲,乐团的灵魂人物[奥利弗,史瓦兹在德国便是一位多才多羹的音乐人,入乎所有音架领域都看得 到他的足迹.但终生挚爱新世纪音乐的他,选择了贡献一身才华的目的地— [BANDARI]音乐了采集真实的自然界音效,上山下海,甚至露宿山林,对[BANDARI]来说是家常便饭,团员们坚信,唯有瑞士才是[BANDARI]音乐的最佳注脚,而来自大自然的创作灵感也是最具临场感动的。[BANDARI]的音乐不只是悦耳好听,同时是最纯净,最一尘不染的新世纪音乐典范。

雅尼 Yanni

人们把雅尼(Yanni)称作是一个用音乐讲述生活的人。从他的身上可以感到古老希腊的浪漫诗意与年轻美国的奔放现代的融合。Yanni 的作品将高雅的古典交响乐与绚丽的现代电声乐巧妙地结合起来。他曾说过:“我的目标是用感情与人们沟通,我捕捉到了生活的感受并把它溶于音乐之中,音乐将会给听众带来希望的撞击。”

Yanni出生在希腊南部的一个海滨小镇。少时因为家境不好,无法受到正规有序的音乐教育,但这并不能抑制他与生俱来的音乐天赋的成长。他可以不需要任何谱子而仅凭超人的记忆,准确地记下听过的任何音乐中

的每一个音符。

雅尼曾为许多广告、电视片制作配乐(完美的爱人)《I Love You Perfect》是1989年美国电视网电视长片,雅尼承袭他一贯的清新风格,为整部电视片营造出浪漫动人,宽阔自由又略带伤感的乐风,完美呈现出剧情的情境转折及剧中人物的悲喜心绪。他擅长用电子合成技术将古典音乐以现代人的视角做重新诠释。在繁忙喧闹的快节奏生活之中,偷得半日闲来聆听Yanni的音乐, 也许可以找寻到一份久违了的轻松和休闲。作为一个拥有独特创作方式的音乐人,Yanni 不愿被纳入任何流派,他独创着一般魅力独具的音乐潮流。

神秘园

Rolf Lovland(罗尔夫. 劳弗兰):出生于挪威南部的Kristiansand。他9岁时就组建了乐队,并开始尝试作曲。他是乐队的作曲、制作人和键盘手。Fionnuala Sherry(菲奥诺拉. 雪莉):出生于爱尔兰Kildare的小镇Naas。她成长于一个音乐家庭,很小就开始学习音乐。她是乐队的小提琴手。

神秘园是一支著名的新世纪音乐风格的乐队,它由挪威作曲家兼键盘手罗尔夫. 劳弗兰和爱尔兰女小提琴手菲奥诺拉. 雪莉组成。1994年,他们在欧洲歌唱大赛中初次相遇,那时劳弗兰已是知名的词曲作家,由于对音乐有着难以想象的相同的理解,他们走到了一起。1995年,他们的探路之作《夜曲》一举夺得欧洲歌唱大赛冠军。1996年4月推出首张专辑《来自神秘园的歌》大获成功,影响遍及世界各地目前乐队已出版了三张专辑。乐队的主要风格是溶合了爱尔兰空灵飘渺的乐风,挪威民族音乐及古典音乐,乐曲恬静深远,自然流畅,使人不知不觉便已溶入其中。除了劳弗兰极具想象力的作曲和编曲,雪莉灵气十足的小提琴演奏也是十分值得一提,在成立乐队之前,雪莉还曾为爱尔兰著名歌手谢妮.奥康娜和范.莫尼森的专辑作过伴奏。 他们合作创造的新世纪音乐(New Age Music),为苦闷的人生带来希望,填补了空虚的心灵。以该夜曲为主打曲灌成的第一张C D神秘园令人耳目一新,也赋予新世纪音乐持久的生命力。以往,新世纪音乐多是昙花一现就消逝,但这张CD竟能长期留在CD排行榜上,面世一年多,就卖了近七十万张;跟着第二张CD白石也同样受欢迎,不仅获得欧美乐迷好评,中国的乐迷对他们的音乐更为喜爱,在上海和北京的演出,反应之热烈比得上天皇巨星。

神秘园是新时代新音乐的标志,让人从无厘头的流行音乐,转而欣赏纯真而富有高尚生活品味的诗意音乐,净化城市人已饱受污染的心灵! 劳弗兰这位挪威天才音乐诗人,认为在永恒的世界,只有爱才能够决定我们的命运,让我们以欢歌来迎接新世纪来临,以爱来缔造美好和平的新生活环境。

Bella Sonus

扑朔迷离的迷魂之乐

Bella Sonus是由键盘手Robert Smith以及吉他手Angel Suarez于2000年所组成的二人电子音乐组合。 生于1959.4.21的Robert Smith曾经自组过摇滚乐队,也曾出过个人摇滚专辑,上图就是其乐队的照片。而Angel Suarez则是一位娴熟的Flamenco(法兰明高)吉他手。两人的合作令其音乐创作虽然脱胎于Enigma,却又融合了摇滚的激烈与法兰明高的浪漫,拥有自己的发挥和特色。他们在电子合成器的技巧方面丝毫不逊色与许多 名家大师。尤其是Robert Smith出色的录音混音技术,使他们的音乐在人声处理上与Enigma各擅胜场。倘若你喜欢Enigma或者Deep Forest,你一定也会喜欢这支新兴的电音乐队。

Bond 古典辣妹

“她们是音乐的精灵!她们是世界上最杰出的女子弦乐四重奏!”一位纽约资深音乐评论家由衷感叹。她们就是“Bond 古典辣妹”。“Bond 古典辣妹”是由第一小提琴Haylie Ecker、第二小提琴Eos、中提琴Tania Davis与大提琴Gay-Yee Westerhoff,四个来自澳大利亚和英国的女孩们组成。她们美丽、性感、前卫,最重要的是他们秉异超人的音乐天赋和自由不羁的精神。在乐队成立之时,这四个精灵就决定扬弃一贯以来的古典音乐结构,而将古典音乐其深远的底蕴与世界各地多种多样的音乐元素及现代的数码编曲技术完美的融合在自己的创作中。无论是加勒比海的拉丁音乐,还是伦敦街头的电子曲风,无论是土著风格,还是东欧民谣,在她们的原创作品中都成了闪耀着生命跳跃的灵性,以及让每一个人情不自禁随之舞动的无形力量!

看过“古典辣妹”演出现场的人,很容易通过现场激情四溢的热烈气氛,把她们和曾经风靡中国的另一位“黑发辣妹”陈美联系起来。其实,她们的经理人梅尔·布什,此前正是陈美的经纪人,她们也正是梅尔·布什和陈美不欢而散后的“换代产品”。也许,当时梅尔·布什只是想跟陈美赌一口气,但是,这却无意中成全了四个有着远大理想的美少女。在梅尔·布什的调教和环球唱片公司重金打造下,“古典辣妹”一鸣惊人。2000年10月用100万英镑制作的处女唱片《诞生》,将古典风格、东方民谣、劲舞和摇滚结合起来。强劲的节奏、眼花缭乱的炫技、如梦如幻的电声伴奏,令无数年轻人如醉如痴。出色的音乐才华甚至使她们的专辑一度同时登上古典与流行的排行榜。但是仅仅靠唱片是远远无法使古典辣妹赢得如此魅力的,性感夸张的形象加上令人疯狂和窒息的现场演出,是她们的另一大法宝。

Suzanne Ciani苏珊·希雅妮

苏珊在1982年发行她的个人首张专辑「爱欲之潮」(Seven Waves)。至今已拥有十张的个人演奏专辑、个人激光视盘、CF及电视配乐、乐谱册,并获得四次葛莱美奖提名,同时更是Billboard排行榜上「新世纪音乐」(New Age)的常胜军。

这些荣誉无法完全代表聆听苏珊。希雅妮音乐的感动。苏珊的音乐创作融合了古典的技巧,并以现代钢琴的表现诠释出简单、轻盈的音乐空间感,彷佛跟大自然合为一气,无限延伸人类的感性想象。

第二张专辑「爱的速率」(The Velocity of Love),苏珊与因电影「火战车」而获得1981年最佳电影配乐奖,并以专辑「南极物语」而在全球拥有高知名度的新世纪音乐电影配乐大师范吉利思(Vangelis)共同合作演奏。这次的合作机会让他们二人私底下成了无话不说的好友,并且也让此专辑有了极佳的销售成绩。

专辑中的同名主打曲<爱的速率>成为苏珊最脍炙人口的代表作品。此外,专辑更登上了美国著名的新成人抒情电台(New Adult Contemporary)的点播排行榜。

Sarah Brightman莎拉布莱曼

Billboard告示牌排行榜称她为“世上实实在在的绝妙天籁”,她的成就令所有女艺人望其项背,她是雄霸流行古典乐坛巅峰的跨类音乐天后Sarah Brightman(莎拉布莱曼)。 莎拉布莱曼创造了女人所未曾创造过的成绩 ——她是第一位同时登上跨国流行、古典和跨界音乐最高地位的女性。尽管她的地位和声望都极高,可是一提到月的神秘,她的感觉还是和一般人一样,充满了原始和天真的幻想。

被喻为最强古典/流行跨类天后的Sarah Brightman(莎拉-布莱曼)再创巅峰,推出新世纪全新专辑—《LaLuna》(月光女神)全球版。该专辑收录15首作品,[月光女神]中,月亮就成了她的灵感来源,她一共以五种语言来演唱,尤其是最后一首[忧郁的星期天]更让大家听到她难得的爵士唱腔。 包括70年代百万金曲“Soarborough Fair”,这首原本是英国传统民谣,因为赛门与葛芬柯二重唱在70年代将它翻唱、收录于电影《毕业生》的原声带中,而成为20世纪最后30年间历久不衰、最脍炙人口的名曲之一。西班牙最受欢迎的合唱团Meoano1988年的畅销金曲“Hijo De La Luna(月亮之子)”,以神话的口吻讲述一个关于白化症小孩的悲剧,并以天上的月亮与一个吉普赛女人的联结对照来陈述。

最惊奇的是“Figlioperduto”(迷失的孩子),整首作品庄严中不失动人的旋律,充满戏剧化的张力。很难想象这首歌曲竟然是改编自贝多芬(1770—1827)的第七号交响曲,配上的歌词与舒伯特的艺术歌曲经典“魔王”相当相似,戏剧性的对话铺陈、悬疑紧张之中带着哀愁的气氛,最后以孩子被黑夜里的魔王(精灵)带走,象征了孩子的殇丧(或更抽象的迷失)。

另一首“A Whiter Shade of Pale”(苍白的浅影),曾在1967年横扫全球流行乐坛,在英美的各流行榜都荣获冠军,至今已有为数相当多的翻唱版本,“Procul Harum”这首歌最为人称道的是它原曲之中管风琴的运用,相当类似巴赫作品的巴洛克式风味,却充满60年代氛围的迷幻虚无,同时这一首作品长久以来也被视作华丽的Classical Rock里程碑之一。

《月光女神》在美国地区发行首周以五十万张立即挂牌金唱片,并让莎拉首度进入Billboard流行专辑榜Top20,同时三度荣登古典跨界榜冠军,全球战绩亮丽。集古典与流行舞台剧演唱的百老汇舞台剧天后莎拉·布莱曼千禧年推出精彩的翻唱专绩《月光女神》,再次显示其超凡脱俗的演唱才华与丝丝入扣、纯美无比的声线魅力.

Deep Forest森林物语

Deep Forest1992年由Dan Lacksman,Eric Mouquest以及Michel Sanchez三位音乐家创建于法国。 其中Dan Lacksman是制作人,后两位担当演奏重任。Dan Lacksman是比利时人,生于1950年。他从1969年起在比利时布鲁塞尔担任录音工程师,1970年开始运用合成音乐器材制作歌曲。

1979年,制作Marc Moulin LIO的专辑,创下数百万张的销售量。其后又曾为Thomas Dolby, Sparks及Yellow Magic Orchestra制作专辑而名噪一时。1980年,他成立自己的音乐公司,到1993年,制作了Deep Forest第一张同名专辑,在世界各地创下惊人销售数字。到现在为止,Dan-Lacksman仍然执着的将他专业的技术与观念,不断地为音乐注入新生命。而Michel Sanchez及Eric Mouquet则是在联合国科教组织的全力支持下,深入非洲中部的雨林地带,以简单的录音器材将扎伊尔、喀麦隆及中非共和国矮人部落等地的传统民谣记录下来,再以现代化的电子合马乐器掺进现代音乐的质感制作而成。身为世界音乐的先驱,融合了现代电子键盘乐器、各民族传统音乐以及自己的创作,Deep Forest俨然已为世界音乐界最具代表性的顶尖领导团体。

Enigma的Return To Innocence和Deep Forest的Sweet Lullaby,可谓廿世纪末世界音乐的两大最著名代表作:同样都曾采用过****原住民民谣做为音乐取样素材的这两支乐团,又以Deep Forest同时在市场及乐评间所获之好评更胜一筹。Deep Forest不仅以各张专辑在英、美、法多国创下金唱片与白金唱片的销售纪录,更获葛莱美与MTV音乐奖等单位之四项奖座的提名肯定,并曾荣获葛莱美奖“最佳世界音乐专辑”大奖。原本Deep Forest的成立,就是要深入发掘埋藏在全世界角落里的声音,因此他们花费了极大的心力,在这将近十年的乐坛岁月里,Deep Forest走访了非洲、亚洲、中南美洲等十数个未受现代文明污染的地区采集有声样本,将之吸收融合加入强劲有力的流行及舞曲节奏中,以他们自己独特的音乐语汇,将古今东西不同文化相互沟通串联。

谜 Enigma

Enigma!谜一般的音乐……

Enigma!一种难以形容的声音……

Enigma!带来令人神往的意境与旋律……

这是一支来自德国的乐队,以其神秘主义风格吸引了无数乐迷。神秘主义的主题用现代电子乐来表现,使人产生一种时空交错的奇妙感觉。其中的人声也非常美妙:女声亮丽动人,如夜莺一般悦耳;男声低沉隐约,令人着迷。乐队的音乐取材也非常广泛,源于世界各地。NewAge音乐爱好者都应该非常熟悉“Enigma”这个标志性的音乐品牌,但大多数听众却很难对Enigma的音乐轻易地来一次概括或者下一个确切的定义。或许另外还有一些朋友并不知道Enigma是何方神圣,不了解他们的风格,但是一旦属于Enigma的熟悉旋律响起,您一定会有似曾相识的感觉。短歌行特别为大家制作这个“破解Engima之谜”音乐专题正是为了能够让大家更全面地了解他们的音乐足迹与音乐风格。

Enigma源自于希腊文,英语解释为“谜,不可思议的东西”,因此很多国内听众甚至媒体将Enigma称之为“谜乐团”或者“英格玛乐团”。其实这个称谓并不确切,Enigma只是一个“project studio(策划制作组)”,而非由若干固定演唱成员组成的乐团。

神思者S.E.N.S.

擅写心灵音乐的“神思者”著名音乐作品有《爱情白皮书》和《二千年之恋》,“神思者”从创作《悲情城市》时冒起,他的音乐充满了图画色彩.们是文学家。旋律如诗、如散文、如歌咏,文雅隽永,焕发美的气息。一个是玩摇滚出身,一个是音乐学院毕业,两个音乐路线相悖的人结合在一起,已经是不可思议。他们的音乐却因此时而温柔,时而奔放,更显和谐的奇妙。

他们是画家。纪录片也好,电影也好,电视剧也好,他们总能顺着剧情和画面,寻找最贴切的音乐风格。于是乎,一部有一部的经典配乐从他们笔下诞生:海上丝绸之路三部曲、故宫三部曲、悲情城市,更有数不清的日剧。听着音乐,曾经看过的感人画面却自然而然的浮现眼前。即便不曾看过的,似乎也能从音符的跌宕中,想象出剧中人的悲欢离合。配乐精湛若斯,我以为已经不该再用“配”这个字了。神思者的确无愧于“日剧配乐之王”的美誉!

Era 创世纪

Era,英文原意为“时代、世纪”,我自己译名为“创世纪”,是一个风格与Gregorian(格林高利合唱团)接近的音乐团体,其灵魂人物是法国音乐家Eric Levi。关于Eric Levi,我们所知的确实不多,甚至也只在Era的作品中见过他的名字。而且他也不属于高产型的音乐家。Era至今为止仅发行过3张专辑,分别是1998年的《Era》、2001年的《EraⅡ》以及2003年刚刚发行的《The Mass》。发行数量并不多,但都是颇受欢迎的作品。Era系列几张作品获得的成功反响,为他与日俱增的名气奠定了优厚的基础。

如果说Gregorian是在Enigma第一张专辑的音乐风格基础上强化格林高利圣歌和宗教元素而发展出来的,那么同样也可以说Era是借鉴与继承了Enigma、Deep Forest、Gregorian等名家的成功元素并加以进化创新而生的。总体来看,Era与Gregorian两者的音乐类型都是圣歌与现代器乐的融合,甚至乍听起来,还颇为相似。不过学习并非罪,刻板模仿才是可耻的,毕竟不是每个人都能如Enigma那样能开一派之先河的。如前所说,Era本来就是对前人成功经验的继承和发展,关键在于比以前是否有所突破和变化。而经过市场考验的结果是上,Era成功了。

比起Gregorian全男班的阵容(Sarah Brightman的献声毕竟是少数),Era无论在和声还是领唱上,都加重了女声的成分,因而整体风格都显得更柔和、更温暖。我觉得Gregorian的歌声像高居圣坛之上的肃穆之歌,多少有点儿“可远观而不可亵玩焉”;而Era的则更人性化,像是就在我们身边的平民歌声。这里并无任何褒贬之分,纯粹只是我个人感觉上的不同罢了。而且由于女声的加重,Era的声部明显比Gregorian来得更丰富,而且女声领唱的戏分更重了。此外,Gregorian很注重乐曲的整体氛围的营造,而Era的曲子旋律性更强,很易上口,感觉上更流行化一些吧。这也许正是Era成功的秘诀之一。

Vangelis范吉利斯

一位堪称伟大的音乐家。他集创作,演奏和音乐制作于一身,是一个真正的音乐全才,被人们誉为“现代的瓦格纳”。早在1973年,电子音乐刚刚起步,大家就连Newage为何物都不甚明了之时,他已经用电子合成器开始了自己的音乐探索。他的许多史诗般的电子音乐作品和电影配乐皆深得乐迷们的钟爱,其中最知名的作品如1981年的 《Chariots Of Fire(烈火战车)》,1983年的《Theme from Antarctica(南极物语)》,1992年的《1492~Conquest of Paradise(哥伦布传)》等等,都是享誉全球的巨作。其中烈火战车以及哥伦布传更都荣获当届的奥斯卡最佳配乐奖,确实实至名归。Vangelis的作品多达数十张,但他的性格与Micheal Cretu差不多,都喜欢过着近似隐居的生活,埋首于自己的音乐创作之中。所以他的名字可能很多人都并不熟悉,但他的作品从不曾耳闻的人我猜可能不多。事实上,他的许多音乐,比如以上的三大作、Pulstar(脉冲星)、喜马拉雅山等等,都曾被不计其数的影视作品甚至广告引用过。相信许多人听过他的专辑后可能都会发出恍然大悟的“哦!……”

Chris Spheeris

浪漫而潇洒的绅士,英俊的面容后面是一位杰出的音乐作曲家和演奏家。从小多才多艺的他,八岁就能在画布上画抽象画,十一岁开始尝试写诗,十二岁便抱着他自己的吉他为其写歌,到了十五岁他开始将其诗作谱上曲韵后,正式开创了他的作曲生涯。后来在70年代末80年代初,他遇见了另一个吉他手Paul Voudouris,之后便开始学习其他的乐器,比如键盘和贝司等。1985年他和著名的哥伦比亚唱片公司签约,并推出了个人第一张专辑Desires Of The Heart 心中的渴望,并由此开始他的辉煌生涯。其实,Chris Spheeris已浸淫New Age乐界达十年之久,只因缺乏跨国唱片公司集团作有计划的密集宣传,才会在知名度上逊于其他音乐家。但就音乐的质感而言,他重现爱琴海滨历史氛围的功力可说无人能及。由于对宗教仪式特别感兴趣,他在旋律创作上受东正教、希腊民谣的影响极深。年轻时他尤其喜爱披头四、德彪西的音乐,大学时期远赴英国钻研哲学的经历更让他始终念念不忘希腊文化的根源,再加上嗜爱以旅行来观察欧洲各地的风土人情,也难怪他的专辑名称总是从探索人类心灵活动或怀想古文明风采的角度出发了。他轻车熟路的驾驭着希腊古典美态的音乐,同时给这种迷人的音乐灌入了各种世界音乐、古典音乐和民间音乐,从而产生了属于他自己的音乐,一片由吉他和钢琴为主乐器,以柔慢而稳定的节奏来演绎的浪漫,轻缓却没有丝毫拖沓和迷废的音乐空间。听他的音乐是一种休闲和回忆的享受,更给与我们一种的全新的安逸享受氛围!Chris Spheeris目前共推出过12张专辑,虽然数量难比前两位,但在AMG All Music上也获得了甚高的评价。

马修连恩(matthewlien)

1990年,25岁的Matthew发表了自己的处女作《MusicToSeeBy》,一鸣惊人。Matthew音乐中表达出的冰山、湖水等育空风景令听众有直观之感,Matthew也凭此获得育空杰出人士的荣誉。此后的4年时间里,Matthew一口气发表了《InSoManyWords》(无以言尽)、《VoyagetoParadise》(天堂之旅)、《TouchingtheEarth》(感受大地)以及《CaribouCommons》(驯鹿宣言)等四张作品。这些作品一脉相承地展现了Matthew的音乐思想。其中,前三张专辑还是在表达自然风景,而第四张《CaribouCommons》则标志着Matthew音乐道路的突破,它与接下来的《BleedingWolves》一起,成为Matthew的经典之作。br1994年,Matthew凭借单曲“BleedingWolves”拿到了极光奖“最佳原创音乐奖”,1995年,他又获得极光奖四项提名,并拿到“杰出音乐创作奖”和“音乐类杰出个人奖”,可谓硕果累累。Matthew并不光做自己的音乐,1993年,他担任专辑《LouiseProfeit-LeBlanc》(原住民故事)的制作人,同年他还制作了北极及加拿大运动会专辑《LifeCycle》。1994年,为《YukonGold》(育空之金)配乐制作等。

1997年,已经名扬天下的Matthew来到中国,探访东方文化的神韵。这一年,他与中国音乐家们共同探讨音乐,还研究了一些他过去从未听过的东方古乐器。散发神秘魅力的古乐器令他如痴如醉,并迅速把这些成果运用到他的新专辑《Confluence》(汇流)中去。中国乐器的造型简单,取材于大自然,有着宽广的音域、动人的音色。Matthew灵感突发,把他原本陌生的亚洲乐器与已经烂熟于胸的西方乐器巧妙融合,令《Confluence》相当特别。

《Confluence》完全摒除了电子合成乐器,而是用大量的东西方乐器营造出最真实的画面。Matthew用中国二胡与提琴呼应,用中国唢呐与萨克斯风搭配,用箫与爱尔兰笛应和,用琵琶与班纠琴融合,搭配出天衣无缝的整体效果。《Confluence》的录音工程浩大,有多达50多人参与录音,最后还由混音大师BernieGrundman进行制作,使之成为Matthew音乐生涯里的又一高峰。

Matthew的音乐虽然被人们称为是环保音乐却有别于“激进”,他只是把手中的乐器幻化为摄像机,真实地记录下自然的各个角度,然后作为记录片播放出来。重视“呈现”而不是“说服”,是Matthew音乐“世界观”层次上的特立独行,也正因此,人们受到的震撼反而越大:那种消除了一切语言、文化、地域隔阂的公正、尊重与融合,使听Matthew的音乐变得轻松起来。随着时代的发展,Matthew所倡导的环保概念正越发深入人心,而他的音乐正像窖藏的美酒,愈久弥香。

陈美

陈美是当今少数成功的前卫小提琴演奏家之一,她那狂野奔放的新新人类形象横扫流行和经典两界,征服无数年轻乐迷,那一把电子小提琴更是艳光迸射,可以狂飙出令人血脉贲胀的效果。其实,陈美的“离经叛道”形象在乐评界一直见仁见智,有人惊奇、有人激赏,也有人誓死难以接受。然而透过唱片公司标新立异的包装背后,明眼人都可以看出陈美一身扎实的小提琴基本功。可反映出她对古典传统作品的触觉和修为,叫不曾深入了解陈美另一面的人大跌眼镜.

恩雅 Enya

恩雅高雅的举止就象从童话故事中走出来的小公主似的。她穿着天鹅绒的晚礼服,话语温柔的说着带给她创作新专辑The Memory of Trees的灵感。“那时我想到了爱尔兰的神话,德鲁伊特教僧侣将药草汇集在树下,他们甚至住在树林里。如果我们能够理解这些树木,我们就能通过大自然的眼睛看到远古的故事。我们就能领悟到更多。” 恩雅目前的作品就是这第三张个人专辑。这张充满了这位爱尔兰歌手独特而富有神秘感的声音的专辑是继恩雅的获得举世成功的Watermark (1988)和Shepherd Moons (1991)之后的又一张专辑。因为这些高费用制作的歌曲都是在都柏林市郊恩雅自己的工作室里制作完成的,需要通过上百次的多声道技术合成覆盖声音,所以这种制作方法需要时间,耐心和一个完美的团队。 恩雅1962年出生于Donegal郡的Gweedore,她是六个孩子中最小的。十八岁时她加入她的哥哥姐姐,成为著名的乐队Clannad的歌手和键盘乐器演奏者。 在恩雅二十岁时,Nicky 和Roma Ryan夫妇——制作人、词作者、经理人——将这位富有天赋的音乐家置于他们的庇护下。六年来他们以恩雅的风格作为基础一起创作着。多年来Roma一直在收集各种日记,随笔,诗歌,故事。现在她将这些作了改变,使之成为恩雅的歌词。歌词主要涉及古老的赞美诗,神话,精灵,天使,传说中的人物,同时也涉及信仰,希望,鼓励以及一些新奇的领域。“在我的歌曲中我可以去我想去的任何地方,我可以自由的飞翔,漂浮,游动。Roma的歌词给了我这种美妙的可能性。” 事实上,恩雅不会游泳。她喜欢在都柏林附近的山中漫步。“我经常工作很长时间,有时工作到很晚,我几乎迷失在工作中。” 这个大自然的忠实热爱者的带有灵气的音乐有时被人们笑称为“新时代产物”或者被划入“民间音乐”。这使创作者不是十分开心。“我的音乐属于各个领域,它可以是新时代的,古典的,流行的。我不认为我的音乐可以简单的划入某个范围,我的音乐是独特的,它就是它。 恩雅的独特的音乐为她带来的物质成果是可观的。恩雅由此获得了两座别墅,工作室,以及一些马匹。恩雅很少看书,她只听她自己

伦敦青少年音乐家大赛含金量

非常高的。伦敦青少年音乐家大赛伦敦音乐家通过调教ChatGPT让其帮助制作音乐专辑,世界音乐家联盟主办伦敦音乐家通过调教ChatGPT让其帮助制作音乐专辑,英国商务管理局、知识产权局UKIntellectualPropertyOffice注册,是触耳TV国际比赛联盟认证权威比赛成员,含金量是非常高的。

请介绍一下希腊音乐家范吉利斯?

范吉利斯(Vangelis)本名Evangelos Odyssey Papathanassiou,1943年3月29日出生于希腊,几乎没有受过任何音乐教育的他,

4岁便能演奏钢琴,6岁举行个人作品发表会, 可谓真正的音乐天才。范吉利斯年轻时期接受摇滚音乐洗礼,学生时期自组的乐团

「Forminx」不仅是1960年代希腊最受欢迎的音乐团体,范吉利斯更是将近代流行音乐带进希腊的第一人。而为了寻找更宽广的音乐空间,

25岁的范吉利斯前往巴黎发展,他自组的「爱神之子合唱团」(Aphrodite’s Child)红遍整个欧洲,也成功开发了前卫摇滚乐的新方向。

1970年代的范吉利斯全心投入电子音乐创作,并转往伦敦为电影制作配乐,开启他辉煌的电影配乐时代,其中包括1981年荣获奥斯卡金

像奖最佳配乐的「火战车」、1982年的「银翼杀手」、1983年的「南极物语」、1992年的「1492征服天堂」等重要作品,范吉利斯开创

了电子音乐与电影配乐的崭新前景,奠定了所谓未来太空音乐的发展,可谓居功厥伟。

也许正是因为范吉利斯的无师自通,他的音乐具有独特的无法复制性,他以键盘音乐为基础,巧妙融合古典、流行、电子、new age

等音乐元素,发展出绵密的管弦乐法以及崭新的电子音乐语法,而他身兼作曲、编曲、制作的能力,更完整地呈现他的音乐理念,从早期

古典乐器到后来的新电子音乐,在范吉利斯手中诞生出崭新的表现方式,成为一种未来感十足的新音乐。范吉利斯的成就,不仅反应在全

球的唱片销售数字以及无数的得奖纪录,国际天文联盟更决定将新发现的「6354号星云」正式定名为「Vangelis」,藉以向这位音乐大

师致敬。

2001年6月28日在雅典宙斯神殿举办的21世纪第一个最伟大的音乐会,演出曲目便是范吉利斯的合唱交响曲《Mythodia》,这场由希

腊文化部长亲自宣布的音乐会,是由世界知名的两大黑人女高音洁西·诺曼、凯萨琳·芭托担纲演唱、伦敦大都会管弦乐团伴奏,

另外还有120人编制的希腊国家歌剧合唱团、以及20位打击乐名家共同演出,而范吉利斯则亲自担任电子键盘的主奏。这项最引人注目的

音乐会,不仅透过电视实况转播传送到全世界,美国太空总署(NASA)更将这部世纪巨作带上外层空间,成为2001年火星计划的代表音乐!

Vangelis的音乐人生

Vangelis,一位伟大的音乐家,集创作,演奏和音乐制作于一身,一个真正的全才。被人们称为现代的瓦格纳(Richard Wagner)。

他的许多史诗般的电子音乐作品和电影配乐深得乐迷们的钟爱,如 『Chariots Of Fire』 影片〖火的战车〗配乐,『Theme from Antarctica』

电影〖南极〗主题曲, 『1492 Conquest of Paradise』 影片〖哥伦布〗配乐等等。

在很多介绍有关音乐的文章中,都喜欢将音乐人的风格定位,但是这种做法有时偏偏叫乐迷不太认同。其中一个典型的例子就是

来自希腊的Vangelis,有人将他归类为New Age,但大多数乐迷都认为这是不尽详实的,因为Vangelis音乐带给我们的感觉,就是一个

无际的音乐国度,这也是一位有着出色意念的音乐人的特质。Vangelis原名Evangelos Odyssey Papathanassion,1943年出生于希腊。

六十年代初,他在希腊自组乐队,成为当地的一支流行组合。到了1968年,他移居法国,与另外两位音乐人Demis Roussos和Loukas

Sideras共同组合成了前卫乐队。到了七十年代,Vangelis与Yes的歌手Jon Anderson组成了JonAnd Vangelis,带出一份清新而前卫的

音乐感觉,当时人们已经很难对Vangelis的音乐进行定位了。到了1982年,Vangelis为电影ChariotsOf Fire 配乐,结果赢得了奥斯卡—

—“最佳电影歌曲”奖。如果你是通过Chariots Of Fire而认识Vangelis,这绝对是不够的,因为在1992年,他为Ridley Scott执导的

影片《1492》中的Conquest Of Paradise配乐,从而使电影的音乐概念完全体现出来,成为不少音乐学院的教材。碟中主题曲Conquest

of Paradise,那种史诗般的气派,完完全全是慑人的感觉,精彩绝伦。

Vangelis于1995年在Warner Music UK旗下推出一张专辑《Voice》, 同时有一张同名单曲推出,这首主题曲《Voice》听起来就象

是《1492 Conquest of Paradise》的翻版。我最新得到大师的一张CD, 片名《OCEANIC》, Warner Music 1996年出版,整张片子的乐

曲洋溢着一种大海的神韵, 每一首的旋律都如此悠扬与神秘,你甚至可以闻到海水的气息, 感受到海风的轻拂, 那仿若天际飘来的旋律

会将一切尘世的俗念冲刷得一乾二净.

喜欢电子音乐的朋友,如果你厌倦了雅尼,可以找来Vangelis的唱片来听听,在国内市场上可以找到《南极物语》,《蛮荒剧》

,《肖像》,《声音》等。范吉利斯最早的作品是1973为弗雷德里克.罗斯夫的电影《动物启示录》所作的《美人鱼》,这是介于他在

巴黎的早期创作实践和后来在伦敦形成的风格之间的作品。

范吉利斯1974年在伦敦建立了自己的录音室:尼摩。在这里,他逐渐创立了自己独特的“范吉利斯之声”。

1975年,《天堂与地狱》发行,这是电子音乐与交响乐结合的标志,其中的第五首《很久了,还如此清晰》也是范吉利斯与歌唱家

琼·安德森的首次合作。这以后,两人以“琼和范吉利斯”的名义出版了四张唱片。

1976年的《反射率0.39》中的《脉冲星》和《阿尔法》使用电子排序法显示出范吉利斯超前的意识和技巧,当时的模拟合成器还显

得幼稚,笨拙,而范吉利斯已开始利用它进行前卫的探索了。

1978年,《螺旋》中的《致无名者》获迈迪姆国际配器奖。70年代是迷茫的一代,也是开拓的一代。VANGELIS是属于成功的开拓者。

他较早的运用了电子合成技术,同时运用了五条音轨合成的技术。现在听来似乎有些不真实的迷幻和异样的音乐,实际上已经蕴涵了现

代纯音乐的雏形,人声的运用更是添加了美妙和飘逸的韵味。

1979年,范吉利斯推出的《中国》成为其代表作之一,特别是其中的《喜马拉雅山》,原音和电声乐器结合得天衣无缝,气势挥宏,

你仿佛可以看到风将积雪吹得漫天飞舞的景象,感到袭来的阵阵寒气。

进入八十年代,范吉利斯的第一张专辑《短篇集》中的《我听见了》是他与安德森的首次全面合作,而1981年为大卫.普特南的电

影《烈火战车》所作同名电影音乐更为他赢得奥斯卡最佳音乐奖,成为最早,给人印象最为深刻的电影电子配乐。同年,在与琼.安德

森合作的《我会找到归乡路》中,范吉利斯进行了更多的探索与实验。

1983年,范吉利斯再次显露出其在电影配乐方面的天才。这次的作品就是那张着名的为日本电影《南极物语》所作同名电影音乐专

辑。这部电影描写的是一群被日本南极探险队员遗弃的拉雪橇的狗如何在冰天雪地中挣扎求生的感人故事。唱片封面是一片苍茫大地,

只有银灰色的Antarctica几个大字和一幅南极地图,音乐也是一样乾净透彻,一如南极那片纯净自然的天地,博大开阔,像水晶一样透

明,而那宏大的音乐中隐隐的悲凉更是让人产生无尽的冥想。

八十年代末,范吉利斯关闭了尼摩录音室,开始周游世界,主要是在北美和欧洲。

1992年,久违的范吉利斯为电影《1492-征服天堂》所谱写的配乐再次轰动全球,成为九十年代最卖座的电影音乐之一。在这张唱

片中,范吉利斯倾尽全力,在录音上尽致完美,你甚至可以用它来测试你的音响系统和房间的声学特性,你可以听到飘逸在房间的各种

乐器所描绘出的音场,“房间有多大,音场就应该有多大”,这是刘汉盛先生对这张唱片的一句评价,“这是非常杰出的电子合成器音

乐,杰出到可以完整测完‘音响二十要’”。但这张唱片在国内很难买到,最近,范吉利斯出了一张精选,共15首,全长75分钟,囊括

了他几乎所有的精彩之作。范吉利斯所作的电子音乐不同于雅尼表演性质的电子音乐,他本人过着隐居的生活,很少在媒体上曝光,

也很少在台上表演,我们甚至连他长什么样也无从知晓,但有一点可以肯定:通过他的音乐,你可以听到他想说的一切。

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